第(3/3)页 每一位和克劳斯学习的学生都沉浸在曲目库拓宽的痛苦中无法自拔。 一个月的时间，背出半个小时音乐会的曲目库，这个是克劳斯对于本科生的要求。 准确讲，应该是一周的时间就要背出来。 一个月四节课，你需要在第一节课背出，因为这样才有足够的时间来进行修改调整。 而很多的学生没有办法完成他的任务，只能痛苦地让自己的作业越拖越多，最终只能退学，去考其他的学校。 对于研究生而言，他们则是一个月的时间一个小时的音乐会。 至于傅调这类的博士生，则是没有具体的要求，只是要求他们尽可能地拓宽他们的曲目库。 因为学校里本身就有要求，一个学年四次音乐会，三次两个小时的，以及一次一个小时音乐会加一个小时大师课。 每次所演奏的曲目都需要和之前完全不同，不能偷懒。 所以根本不用克劳斯多说什么，那群博士生自己就眼巴巴地过来和克劳斯上课，提升曲目库的数量。 而傅调也是在这段时间内接触了特别多，除了肖邦之外的其他作品。 李斯特的第二号匈牙利狂想曲也在其中。 李斯特，第二号匈牙利狂想曲，升c小调，随想曲风格的慢板。 此作作于 1847年，献给泰勒奇(LaszloTeleky)伯爵，这是最著名的一首匈牙利狂想曲，以匈牙利民间舞曲“查尔达什”Csardas为素材，由两部分组成。 前一部分称为“拉苏”Lassan，意思是“缓慢”，是独舞的音乐。 后一部分称为“弗利斯卡”，意思是“新鲜”，速度迅急、热烈，是双人舞的音乐。该作品采用自由曲式，不受一般乐曲形式的限制。 与此同时，这首作品在钢琴演奏技巧上有很大的创新。 例如多次运用了钢琴八度连奏技巧，形象地传达出匈牙利民间乐器大扬琴的演奏效果。 在现代看起来似乎并不是特别的新奇，毕竟现代音乐已经完全不再局限于使用钢琴键盘去演奏音乐，而是开始直接上手，用手去刮钢琴的琴弦。 甚至用一些其他的方式，例如砸琴弦，用杯子拉琴弦，用琴弓磨琴弦灯方式，去因造出完全不同感觉的声音出来。 但是你必须要知道在当时，也就是李斯特那个时间点，使用钢琴模仿民间乐器的作法，绝对算得上是一个大胆的探索。 李斯特运用这种手法为乐曲增添了不少色彩，也进一步丰富和扩大了钢琴的表现手段与演奏技巧。 与此同时，因为傅调所需要演奏的作品是来自于李斯特的，而并非是肖邦的。 因此他演奏作品的时候，并不能够像肖邦那样优雅，他需要更多的释放自己。 根据当时文献记载，舒曼评价李斯特的演奏时表示，听李斯特演奏，必须要看他的姿态动作，绝对不能让他藏在幕后演奏，否则有很大一部分诗意就失掉了。 安徒生则是表示，李斯特弹琴是从血液中弹出的音符；是如同被钉在钢琴上的血流不止；是恶魔死而复生为圣人。 至于那些听过李斯特演奏的观众，他们每一次听李斯特的演奏，他们都会着重记录李斯特的动作。 因此在演奏这一首作品的时候，千万千万不能够太过于拘束。 需要让自己稍微放松一些。 让自己的情绪随着音乐一起走。 让自己的身体，也跟着音乐一起流动。 虽然李斯特的演奏要求并没有肖邦那么苛刻，很多人对于音乐之中肖邦的感觉要求那么高。 但是最起码的，你不能够将李斯特弹成肖邦吧？ 况且…… 傅调转头看了一眼边上的沉默的众人，不由得轻微笑了一下。 况且这样的现场，正如同自己心中所想的那样。 沉默，压抑。 令人不安。 而这样的现场如果你演奏一些太过于软弱的作品，必然会受到现场的影响，将音乐之中很多格外重要的东西丢失掉。 所以，他在演奏第一首作品，也就是肖邦《唐璜变奏曲》的时候就已经定下来这一场音乐会的基调。 那就是炫！ 炫技的炫！ 尽可能地炫技，尽可能地去让音乐炫起来。 千万不要将自我隐藏。 因为他面对的不是正常普通的音乐厅，而是设计上整体显得格外压抑的音乐厅。 他不能随波逐流，他必须用力去抗争，去对抗这一份压抑。 所以…… 炫技起来吧！ 用自己的全部力量。 傅调深深吸了一口气后，对着周围还在注视着他的观众轻声道。 “Liszt's Hungarian Rhapsody No. 2” “李斯特，匈牙利狂想曲，第二号。” 话音落下，他的手指抬起。 带着众人惊讶，惊喜，激动的情绪，在空中微微停留片刻后，无比轻松地落在了钢琴之上。 演奏出轻微的两声单音。 正如同那年，打开了郎良月古典音乐世界大门的汤姆猫一般。 敲开了观众的心房。 (本章完)